Mötley Crüe | Crücial Crüe

Mötley Crüe s'impose comme le symbole ultime du glam metal californien et de la décadence rock 'n' roll des années 1980. Des arrière-cours du Sunset Strip à Los Angeles jusqu'aux plus grandes scènes mondiales, les quatre membres – Nikki Sixx, Tommy Lee, Vince Neil et Mick Mars – ont réussi à définir toute une génération de hard rock. Le cœur de leur carrière impressionnante se trouve dans les cinq premiers albums studio du groupe, sortis au cours de cette décennie dorée, de 1981 à 1989. Ces chansons constituent toujours le fondement des massifs concerts du groupe.

Aujourd'hui, cette série d'albums est considérée comme l'une des réalisations les plus influentes et historiquement vitales de la musique rock lourde. Ici, nous plongeons dans les cinq chefs-d'œuvre légendaires qui ont créé le mythe Mötley Crüe, et qui sont maintenant réunis dans le coffret Crucial Crue.

Too Fast for Love (1981) – Le voyage du glam metal commence

Lorsque Mötley Crüe a sorti son premier album, Too Fast for Love, en novembre 1981 – initialement en édition très limitée sur leur propre label indépendant, Leathür Records – rares étaient ceux qui pouvaient prévoir l'ampleur de la révolution que cet album allait déclencher. L'album a immédiatement cimenté l'énergie brute et non polie du groupe. Musicalement, c'était un mélange de rock de rue agressif, de heavy metal primitif et d'une touche distincte de punk britannique des années 70. C'était sale, non produit, et complètement authentique.

Aujourd'hui, Too Fast for Love est vénéré comme un classique culte absolu parmi les fans de rock et de metal. L'album capture le groupe dans sa phase la plus affamée et dangereuse, avant que les gros budgets et la production MTV clinquante ne prennent le dessus. Le single principal « Live Wire » est aujourd'hui l'une des chansons d'ouverture les plus importantes et les plus énergiques de l'histoire du rock, avec le riff de guitare agressif de Mick Mars et la batterie percutante de Tommy Lee, tandis que la chanson titre « Too Fast for Love » a cimenté la capacité de Nikki Sixx à écrire des structures pop accrocheuses habillées de cuir brut.

Shout at the Devil (1983) – Une percée sombre

Alors que l'album de début était caractérisé par un rock brut, Mötley Crüe, avec la suite Shout at the Devil de 1983, a fait un pas gigantesque et bien plus sombre en avant. Cet album est sans aucun doute la sortie la plus lourde et la plus orientée metal du groupe. Avec une production beaucoup plus massive, de fortes connotations occultes et une esthétique visuelle caractérisée par des clous, du cuir et des pentagrammes, le groupe a parfaitement capturé l'esprit de l'époque, en plein cœur de la vague américaine de la "Panique Satanique". L'album est devenu une percée gigantesque et a vendu quatre fois platine aux États-Unis.

Shout at the Devil est aujourd'hui rien de moins qu'un monument du genre et est salué comme peut-être le plus puissant album de Mötley Crüe de tous les temps. Il a redéfini ce que le heavy metal pouvait être dans les années 1980 en mélangeant le lourd et le sinistre avec des refrains accrocheurs. La chanson titre « Shout at the Devil » et le tube percutant « Looks That Kill » sont devenus des hymnes immortels.

Theatre of Pain (1985) – L'avènement du glam-rock et la naissance de la power ballad

Après avoir survécu à une série de crises personnelles violentes et de tragédies liées à leur mode de vie, Mötley Crüe est revenu en 1985 avec Theatre of Pain. L'album a marqué un changement de style drastique. Le côté sombre et occulte de son prédécesseur a été mis de côté au profit d'un univers bien plus coloré, poli et théâtral – fortement inspiré du glam-rock classique et de groupes comme Aerosmith et T. Rex. C'est ici que l'esthétique visuelle, avec le cuir rose, le maquillage et les cheveux volumineux, a été véritablement cimentée.

Bien que Theatre of Pain ait rencontré à l'époque une certaine critique de la part des fans de metal les plus hardcore pour son côté trop pop, son importance historique est aujourd'hui incontestable. L'album contient en effet rien de moins que « Home Sweet Home » – la chanson qui a, à elle seule, inventé le modèle de la "power ballad" des années 1980 et a changé à jamais le média du clip vidéo sur MTV. Sans cette chanson et son introduction au piano emblématique, le paysage musical des années suivantes aurait été totalement différent.

Girls, Girls, Girls (1987) – Clubs de strip-tease, motos et décadence pure

En 1987, le groupe a sorti "Girls, Girls, Girls", qui reste aujourd'hui la bande-son ultime de la période la plus chaotique et tristement célèbre du groupe. Musicalement, l'album marquait un retour à un son rock plus dur et plus sale comparé à son prédécesseur plus doux, mais lyriquement et visuellement, tout tournait autour de la vie réelle du groupe au bord du gouffre : motos, clubs de strip-tease, abus et la vie sauvage de la nuit à Los Angeles.

Aujourd'hui, l'album est considéré comme un tableau fascinant et impitoyable de l'apogée absolue du succès et de l'excès du rock des années 80. Il est salué pour son honnêteté brute et ses riffs de guitare lourds et imprégnés de blues, que Mick Mars a livrés en pleine forme malgré les conflits internes au sein du groupe. La chanson titre « Girls, Girls, Girls » et le grand succès épique et musicalement complexe « Wild Side » sont aujourd'hui des classiques du rock incontournables.

Dr. Feelgood (1989) – Le chef-d'œuvre poli et grandiose

Après avoir touché le fond et ensuite suivi une cure de désintoxication collective et réussie, un Mötley Crüe complètement sobre s'est retrouvé en studio avec le producteur star Bob Rock. Le résultat fut Dr. Feelgood, sorti en septembre 1989. Ce fut le plus grand triomphe commercial du groupe, il a atteint le sommet des classements Billboard et a vendu un incroyable six fois platine aux États-Unis. Avec une production d'une rigueur, d'une massivité et d'une clarté inédites, l'album a réussi à combiner la puissance brute du groupe avec une technique de studio ultramoderne.

À l'époque moderne, Dr. Feelgood est considéré comme l'un des albums de rock les mieux produits de tous les temps – une étape sonore que de nombreux groupes tentent encore de copier en studio. L'écriture des chansons était à son apogée absolue avec des tubes massifs comme la chanson titre percutante « Dr. Feelgood », la bombe énergétique à couper le souffle « Kickstart My Heart » et la mélodique « Don’t Go Away Mad (Just Go Away) ». Le groupe n'a jamais sonné plus serré et plus inspiré qu'avec ce chef-d'œuvre.